Orígenes

A finales del siglo XVI, durante el Renacimiento, los artistas, escritores y arquitectos se interesaron en las culturas antiguas (Grecia y Roma). Se preguntaban cómo se llevaban a cabo los dramas griegos de la época. Comenzaron a experimentar con las obras de Esquilo y Eurípides, declamando los pasajes más poéticos y utilizando los diálogos con algunos acordes musicales acompañándolos. A pesar de que no parece mucho, esto es muy diferente a lo que se estaba haciendo en la época, ahora una persona estaba cantando para decir parte de la historia. Se hizo la música parte tan importante como la palabras y las acciones. Este drama fue llamado drama para música, para enfatizar la idea de que una obra teatral contenía música.

Desarrollo de la Ópera

• 1600 Se considera Dafne de Jacopo Peri y Ottavio Rinuccini el primer trabajo realizado de esta forma, esta ópera está perdida; por lo que se menciona a Euridice, del mismo autor, como el trabajo existente más temprano.
• 1607 Orfeo de Claudio Monteverdi, dio a los personajes canciones muy adornadas las cuales detenían la acción y hablaban de sus sentimientos. Incluyó coros, bailes e interludios orquestales, para acompañar la acción y cambios de escena. Con este trabajo Monteverdi trazó el futuro de la Ópera.
• 1637 Se contruyó el primer teatro para esta forma nueva de entretenimiento, en Viena.
• 1642 Monteverdi escribió La Coronación de Popea, esta fue su última ópera. En la misma se apartó de las tradicionales historias griegas y escribió una ópera sobre una historia romana. Sus seguidores de Viena (Pier Cavalli y Marco Antonio Cesti) desarrollaron un tipo de canción lírica y fluida inspirada en el hablar fluido de la lengua italiana, conocido como bel canto, que significa canto bello. Las arias bel canto desplazaron los recitativos dramáticos en popularidad.
• 1650 Se adapta el término ópera para describir este tipo de nueva música. Algunos compositores ya habían realizado lo que el público pedía: melodías y demostraciones de agilidad vocal. En este punto se hizo el aria una convención, también los escenarios. Se hizo uso de tramas intrincadas tales como dioses bajando a escenario en vehículos espectaculares, batallas, embarcaciones marinas, tormentas en escena, entre otras.
• 1700 - 1750 En la primera mitad del siglo XVIII el cantante se hizo la figura predominante en la ópera. Era prácticamente una actividad en la que una serie de cantantes demostraban sus habilidades vocales, sin enfatizar en la trama ni la historia o mitología. Los principales cantantes eran los hombres castrados (conocidos como castrati), los cuales eran muy bien pagados y aclamados por toda Europa. Los coros no eran muy utilizados; sólo de forma primitiva y la orquesta un mero acompañamiento para que los cantantes mostraran su virtuosismo y agilidades acrobáticas. Se destacaron dos compositores en esta época: George Frideric Haendel y JeanPhilipe Rameau. Handel, cuyas arias fueron muy criticadas por su estructura (conocidas como arias da capo), escribió la mayor parte de sus óperas para cantantes específicos. Las óperas de Rameau son notables por la exitación e imaginación de la música.
• 1750 - 1799 Orfeo y Euridice(1762) de Gluck. Usó el mismo tema de Monteverdi. Colocó la ópera en su camino nuevamente. Hizo una con acción continua, como una obra teatral. Incorporó las arias a la trama, no sólo para demostrar los talentos del cantante. Musicalmente tenían que ser parte de ambiente y estilo de la ópera. Se incorporó la overtura al principio de la obra para ambientar la audiencia. Además, la música debía ser complemento para los personajes y la historia. Este es el primer signo de la ópera como una unidad orgánica, una idea seguida desde Mozart, Weber, Berlioz, Wagner y Richard Strauss.
  Por otro lado, Mozart dio un nuevo giro a la ópera. Fue más espontáneo. Sus trabajos más conocidos son: Las Bodas de Fígaro, El Rapto del Serallo, La Flauta Mágica y Cosi fan tutte .
  En este momento de la historia se dividió la ópera en dos vertientes: la italiana y la alemana. La ópera francesa encontró un medio entre estas dos.
• Siglo XIX El estilo italiano colocó al cantante nuevamente como la figura de atracción y continuó los retos musicales a través de los trabajos de Rossini, Bellini y Donizetti. Estos compositores desarrollaron en gran medida el estilo conocido como bel canto, estilo que presenta hermosos adornos en las melodías del rol femenino. Ya no se trataba de mitos antiguos o leyendas, se utilizaron historias románticas de Scott, Byron y Goethe. La música era tan dramática como la historia. La larga carrera de Verdi unió el mundo de la ópera italiana y la ópera alemana, culminando con trabajos como Aida, Otello, Traviata y Falstaff. Puccini fue el sucesor de Verdi. Desarrolló la ópera melódicamente. Perteneció a una escuela conocida como verismo o escuela realista. Sus trabajos más conocidos son: La Boheme, Madam Buttefly, Tosca y Turandot.
  Por otro lado la escuela alemana se desarrollaba de otra forma. Beethoven escribió la ópera Fidelio, considerada una de las óperas alemanas mejores escritas, un himno a la humanidad, amor conyugal y libertad política. Wagner fue la influencia alemana más notable de la escuela alemana. Expandió la orquesta, introdujo nuevos instrumentos, revolucionó el uso expresivo de la armonía, alargó la duración de la ópera, entre otros. Las óperas más conocidas de Wagner se encuentra El Anillo, un ciclo de cuatro óperas.
  Otra escuela surgió en Rusia. Esta escuela era una conocida como nacionalista y folklórica. Compositores que desarrollaron la ópera rusa: Mikhail Glinka, Aleksandr Borodin, Nicolai Rimsky-Korsakov, Mudest Mussorgsky y Pyotr Illyich Tchaikovsky

   

• Siglo XX En este siglo la ópera no sufre grandes cambios. Las ideas son básicamente las mismas. Se ha explorado la psicología, surrealismo y neoclasicismo. Compositores que sobresalen de este siglo son: Alban Berg, Benjamin Britten, Claude Debussy, George Gershwin, Richard Strauss, Philip Glass, Michael Tippett, Hans Werner Henze, Francis Poulenc e Igor Stravinsky. Los fallos de la ópera de la época moderna pueden ser el resultado de composiciones feas y complejas, simbolismo impenetrable, entre otras causas.

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